¿Qué significa la tecnología para el futuro de la música?

Probablemente estés leyendo esto en una pantalla de vidrio, el resplandor de tu propia cara reflejándote desde tu teléfono inteligente. Tu propio «espejo negro» personal, una frase que se ha convertido en sinónimo de visiones del futuro gracias, en gran parte, a Charlie Brooker, quien se unió a Lauren Laverne en el 6 música estudio esta semana para discutir el nuevo libro complementario de su exitoso programa de televisión, Black Mirror.

Desde su primera emisión en 2011, Black Mirror se ha convertido en un comentario profético sobre los tiempos modernos, mostrando cómo las innovaciones tecnológicas emocionantes también pueden tener serias desventajas.

La tecnología ha cambiado la música durante décadas, desde introducción del sintetizador al innovación pop de Auto-Tune, y ahora incluso estamos presenciando estrellas del pop de realidad virtual. ¿Pero cuán diferente será el futuro de la música? Prepare sus sombreros de papel de aluminio, mientras echamos un vistazo a lo que podría estar en la tienda …

Nuevas formas de escuchar

Desde gramófonos hasta teléfonos inteligentes, nuestra experiencia auditiva ha recorrido un largo camino, y la tecnología de audio no solo se está volviendo más inmersiva, sino también personalizada. Solo tiene que decir el título de una canción para que su asistente electrónico escuche música de sus altavoces inalámbricos.

Dar un control personalizado a las personas los convierte en parte de esa experiencia musical.
Noah Kraft de Doppler Labs

También hay auriculares en el mercado que adaptan el sonido a sus propias capacidades auditivas y se adaptan instintivamente a nuestros hábitos de escucha. Los auriculares intrauditivos diseñados por la ahora desaparecida compañía con sede en San Francisco, Doppler Labs, le permiten filtrar y alterar el ruido del mundo exterior en tiempo real, lo que tiene un potencial especialmente ilimitado en términos de actuaciones en vivo. «Cada experiencia en vivo será diferente. A nadie le gusta un espectáculo en el que suena tan fuerte que no lo estás disfrutando, por lo que dar un control personalizado a la gente los convierte en parte de esa experiencia musical», dijo el cofundador de la compañía, Noah Kraft. dijo el año pasado. (Doppler ha cesado desde entonces, pero una declaración de los fundadores dice que esperan que su innovación «perdure a través de otros productos y esfuerzos en los años venideros»).

Pero no importa qué tan altos sean los auriculares de alta tecnología, siempre habrá algunas personas que los perderán. Sin embargo, un experto en «modificación del cuerpo», Rich Lee, cree que ha encontrado una solución: implantando imanes sensibles al sonido dentro de sus oídos. Tales procedimientos quirúrgicos no deben intentarse en casa, por lo que el transductor extrasensorial versátil podría ser para usted. Concebido como un dispositivo auditivo para sordos por el neurocientífico David Eagleman, VEST es una herramienta que convierte el ruido en vibración, permitiendo al usuario «sentir» ciertos sonidos o entornos.

Los principales músicos también están empujando los límites del sonido envolvente. Björk siempre ha existido en la cúspide de la música y la tecnología, y uno de sus experimentos más recientes en el arte del sonido se produjo con el Black Lake de 2015, una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). La exposición incorporó 6,000 conos de fieltro y 49 altavoces, mapeando la música en un entorno 3D, con sonidos individuales que se transmiten por la sala en tiempo real.

«Si escanea a través de la habitación de norte a sur, cada pulgada corresponde a un segundo de la canción», explicó el colaborador David Benjamin. «Creamos este efecto al hacer un análisis espectral de la canción, proyectarla en las paredes y el techo, y luego usar este mapa para marcar el tamaño y la ubicación de cada cono».


El prisma, una nueva forma de escuchar música según Nicolas Jaar

El futuro de lo físico

A pesar del crecimiento de la música digital, los oyentes claramente anhelan la música que pueden tocar, sostener y colocar con orgullo en sus estantes. El vinilo ha experimentado un renacimiento masivo en los últimos años, con ventas en el Reino Unido que alcanzaron un máximo de 25 años en 2017. Los casetes también están regresando un poco, mientras que las ventas del CD a menudo pasado de moda también han aumentado. Es una gran noticia para aquellos que prefieren su música con un poco de crujido y carácter, pero ¿qué depara el futuro para el formato de música tangible? ¿Y cómo se están avanzando los lanzamientos físicos?

Es una respuesta a una sociedad que prioriza el consumo pasivo sobre la conexión humana significativa
Plata Productor español 

Hay una larga historia de artistas que superan los límites de los formatos musicales. Jack White ha estado ocupado reinventando lo que se puede hacer con el vinilo, llenando su álbum Lazaretto en 2014 con pistas y hologramas ocultos, mientras que The Flaming Lips ha pasado décadas soñando cosas progresivamente más extrañas: desde el lanzamiento del álbum de 1997 Zaireeka como cuatro CD destinados a ser reproducidos a la vez más recientemente distribuyendo discos en vinilo lleno de sangre y como cráneos comestibles.

En otro lugar, puede reunirse alrededor de un cubo de aluminio y disfrutar de la música de Nicolas Jaar, quien buscó alentar la escucha colectiva a través de un prisma recargable integrado con dos conectores para auriculares y una copia de su compilación de 2012 Don’t Break My Love.

Mientras tanto, Massive Attack celebró recientemente el vigésimo aniversario de su obra maestra de trip-hop Mezzanine lanzándola en un formato completamente nuevo: ADN pulverizable. Sí, la banda de Bristol codificó el álbum en fragmentos de ADN encerrados en perlas de vidrio microscópicas, con una lata de aerosol que contenía aproximadamente un millón de copias. Entonces, para reproducir el disco, todo lo que tienes que hacer es rociarlo en tu pared, raspar la pintura de ADN, reconstruirla meticulosamente en el orden correcto y así, tienes tu álbum.

La música digital también se está volviendo mucho más tangible. Tome el EP Last Dayz de Plata en la impronta de baile de Londres a través de Berlín Circadian Rhythms, por ejemplo, que vino en su propio formato conocido como ‘.plata’, un archivo digital encriptado que solo existe una vez que los archivos se extraen usando un USB que acompaña la liberación. «Es una respuesta a una sociedad que prioriza el consumo pasivo sobre la conexión humana significativa», explicó el productor español en un comunicado de prensa.

Música con mente

La tecnología ya está impactando la creación musical. El dominio de la transmisión y los cambios en los hábitos de escucha han visto estudios que sugieren que la gran introducción del pop podría estar muriendo. También podemos decir adiós a los desvanecimientos y títulos de canciones imaginativos por las mismas razones. Pero es aún más interesante considerar cómo la inteligencia artificial influye en la forma en que se produce la música.

Quería música que se desarrollara de manera diferente todo el tiempo
Brian Eno

Se han realizado estudios que analizan cómo AI tiene la capacidad de generar letras de canciones, mientras que AI también se está utilizando para hacer música completamente única. El álbum 2017 de Brian Eno, Reflection, vino con una aplicación que lo acompañaba que usaba algoritmos para cambiar constantemente el registro en cada escucha. Eno enfatizó su deseo de «hacer música interminable, música que estaría allí todo el tiempo que quisieras», y agregó: «También quería que esta música se desarrollara de manera diferente todo el tiempo».

La IA no solo tiene la capacidad de lograr música regenerativa, sino que también puede imitar de manera bastante convincente. Mientras los Beatles ‘cantan’ en el auto de papá: «Nos quitamos ese día soleado / empacamos nuestras cosas y nos fuimos / yo y mis amigos en el auto de papá / para descubrir cómo son los veranos». Solo que no lo hicieron. Si no reconoces esas letras, es porque provienen de una canción que fue compuesta por AI al estilo de los Fab Four. No es Eleanor Rigby, pero Daddy’s Car fue un gran avance para el pop generado por la IA.

Todavía hay un elemento humano que es clave para la música creada por IA. Para algunos músicos, la IA es una herramienta que les permite extender lo que es humanamente posible. Para el videojuego No Man’s Sky, 65daysofstatic creó una banda sonora eterna que, gracias a su composición algorítmica, podría reproducirse por toda la eternidad. El álbum de 2017 de Bill Baird, Summer Is Gone, lanzado originalmente a través de un sitio web interactivo, se remezcló utilizando datos de la hora y el lugar desde el que lo estaba reproduciendo: escuchar el disco a las 4 p.m. en Londres produciría un álbum diferente al de las 2 a.m.en Manchester.

Hologramas, drones y estrellas pop de realidad virtual

La música en vivo es donde la mayoría de los músicos ganan mucho dinero en estos días. De hecho, las tomas de eventos en vivo representaron casi el 25% de todos los ingresos de música del Reino Unido en 2016, generando £ 1 mil millones, que es más de £ 300 millones más que a través de ventas físicas y transmisión combinadas. Tiene sentido, entonces, que los artistas hayan mejorado su juego en el escenario en vivo, con las mega estrellas de hoy usando la última tecnología para hacer de su espectáculo una visita obligada en particular.

Una máquina del tiempo que captura la esencia de quienes éramos. Y somos.
Benny Andersson de ABBA

Artistas como Four Tet se centran en el aspecto visual: en fechas recientes, el productor Kieran Hebden ha estado actuando entre un impresionante jardín colgante de luces de techo a piso. Diseñadas por el artista visual Squidsoup, las luces se asignan a un entorno 3D que baila y se entrelaza entre la multitud. Pero para la verdadera interacción absurda de los fanáticos, no busque más que Aphex Twin y su colaborador visual Weirdcore. La tecnología de mapeo de rostros captura las expresiones de aquellos en la audiencia en tiempo real, superponiéndolos en los rostros de celebridades y transmitidos a las gigantescas pantallas en el escenario, una «sobrecarga psicológica», como lo describe Weirdcore.

Mientras tanto, Muse ha estado incorporando la programación de computadoras en la configuración de su gira. El líder Matt Bellamy describió el concepto del álbum Drones de su banda en 2015 como informado por la idea de que «el mundo está dirigido por drones que utilizan drones para convertirnos a todos en drones», por lo que era natural que la banda los incorporase al mundo de Drones. Gira, con 16 drones autocontrolados que se ciernen sobre la audiencia (aunque los experimentos no fueron sin incidentes). Según algunos, el futuro podría incluso ver aviones no tripulados que nos traerán alimentos y bebidas en festivales con una precisión precisa.

A pesar del auge de la música en vivo, los conciertos no son para todos. Pero gracias a los auriculares de realidad virtual, la experiencia en vivo se está llevando a la comodidad de su propio hogar. Artistas tan diversos como Chromeo y Slash han lanzado actuaciones interactivas que se pueden ver y explorar mediante el uso de auriculares VR, con la versión de Slash que incluso permite a los fanáticos deambular entre bastidores. «La realidad virtual tiene la capacidad de profundizar la relación de los fanáticos con el artista al tiempo que proporciona acceso a los fanáticos de todo el mundo para experimentar la energía de la vida cuando físicamente no pueden estar allí», dice Kevin Chernett, vicepresidente ejecutivo de Live Nation.

Si bien el futuro puede permitirle disfrutar de eventos inmersivos en vivo sin siquiera estar allí, es posible que tampoco requiera que las estrellas estén físicamente presentes. Cuando 2-D, Murdoc, Noodle y Russel surgieron como Gorillaz en 1998, la idea de las estrellas animadas del pop todavía era extraña. Ahora, se está volviendo más común. En Japón, nombres como Megurine Luka y Kaito ya están alcanzando los niveles de fama de Beyoncé a pesar de estar completamente animados. Hatsune Miku, una sensación adolescente de cabello turquesa que comenzó su vida como un software vocaloid, se ha convertido no solo en un ídolo virtual, sino en una de las estrellas pop más grandes de Japón, que atrajo a miles de fanáticos a los estadios de Japón y al Barbican de Londres el año pasado.

Sin embargo, no se trata solo de actos de realidad virtual, sino que también ha habido una tendencia controvertida de presentaciones en vivo póstumas utilizando la imagen holográfica de estrellas fallecidas. En 2012, un holográfico Tupac Shakur se unió a Snoop Dogg en Coachella. Más recientemente, se anunció que se estaba preparando una gira de hologramas de Amy Winehouse, y el padre del fallecido cantante dijo en un comunicado: «La música de nuestra hija tocó la vida de millones de personas y significa que todo su legado continuará».

También estamos empezando a ver que las estrellas vivas utilizan hologramas también. A principios de este año, Elton John anunció su gira de despedida con un gran espectáculo de realidad virtual que incluyó a un Elton capturado por movimiento que realizaba sus mejores éxitos, retrocedía digitalmente a lo largo de los años y guiaba personalmente a los fanáticos a través de su historia de vida que atraviesa el cosmos. Mientras tanto, ABBA está listo para reunirse para lo que ellos llaman un «proyecto de viaje avatar», que Benny Andersson ha bromeado como «una máquina del tiempo que captura la esencia de quienes éramos. Y somos».

¿Somos los robots?

Cualquiera que teme la posibilidad de un apocalipsis total a manos de robots inteligentes debería consolarse de la manera en que los mundos robot y humano se cruzan, ya que vemos avances en el biohacking a través de la aparición de cosas como instrumentos portátiles.

Ya no necesito componer música en el sentido tradicional, puedo componerla mirando las cosas
‘Artista Cyborg’ Neil Harbisson

Imogen Heap ha ayudado a desarrollar un par de guantes que prometen «revolucionar la forma en que hacemos música a través del movimiento». En equipo con un grupo de científicos, los guantes combinan los movimientos con las funciones musicales y permiten a los usuarios controlar los instrumentos y efectos en vivo a través de gestos con las manos en el aire. Su objetivo es mostrar que «hay una mejor manera de hacer música que con controles deslizantes y botones, a través del complejo movimiento del cuerpo humano», y que ya son favorecidos por estrellas como Ariana Grande. Incluso se están utilizando para ayudar a los músicos discapacitados a tocar de nuevo.

Luego hay algo llamado The Spine, una vértebra sobresaliente diseñada por los investigadores de doctorado Joseph Malloch e Ian Hattwick, que funciona como una unidad de efectos portátil, distorsionando y retrasando el sonido a medida que el artista se dobla y gira.

Sin embargo, el biohacking no está contenido en las actualizaciones portátiles: algunos están llevando las cosas a niveles mucho más extremos mediante la instalación de dispositivos de sonido en sus cuerpos. Neil Harbisson, quien ha sido descrito como «el primer artista cyborg del mundo», tiene una antena atornillada en la parte posterior de su cráneo que cuelga sobre la mitad de su frente y transmite color desde su sensor incorporado, vibrando a ciertas frecuencias, permitiendo él para «escuchar» diferentes tonos. «No es que yo cree música; mi realidad se ha convertido en mi música», dice Harbisson. «Ya no necesito componer música en el sentido tradicional, puedo componerla mirando las cosas».

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